martes, 21 de julio de 2020

Conocer el Autismo en la divertida serie Atypical

Trailer oficial Netflix

"Lo normal, efectivamente, está sobrevalorado". 

Cuando, por fortuna, en la vida hay cada vez más inclusión es importante conocer las distintas realidades. Para acercarnos al Trastorno del Espectro Autista (TEA) hay que ver esta divertida serie de Netflix que va ganando con cada nueva temporada y en la que podemos descubrir las múltiples formas de aprender del protagonista, Sam un adolescente que tiene síndrome de Asperger, que es un tipo de autismo. 

La importancia de esta serie radica en la visibilización de un trastorno que pertenece a las “Discapacidades invisibles” es decir, no hay ningún rasgo físico que la delate. Es más, paradójicamente, como le sucede a Sam y a su grupo de amigos con TEA va acompañado de algunas habilidades especiales y sorprendentes como, una capacidad de memoria extraordinaria, facilidades o destrezas especiales e insólitas para el cálculo, el dibujo o la lectura. Se pone de manifiesto su fascinante perfil cognitivo que desafía los modelos tradicionales de aprendizaje. Su peculiar estilo de procesar la información, su original manera de percibir e interpretar el mundo. En el caso de Sam por su interés en la Antártida y los pingüinos. Esa otra forma de mirar y de aprender queda patente en las sucesivas temporadas. 

La creadora de la serie Robia Rachid cuenta con el Dr. Michelle Dean, del UCLA (Center for Autism and Research and Treatment) de Los Angeles, California, quien asesora sobre el TEA. Viéndola se puede aprender mucho y comprender lo que sienten y sufren estas personas y quienes les rodean para eliminar estereotipos. 

Trata de forma clara, divertida, con sensibilidad y hasta ternura, la integración y la inclusión social como tema fundamental y, cómo la información y los apoyos son imprescindibles porque reducen significativamente el sufrimiento de estas personas y de su entorno. Por todo ello, es recomendable ver la serie, especialmente importante en el ámbito educativo, con las familias y docentes de todas las etapas educativas, desde infantil a la universidad, pedagogía, mediación en museos, educación especial y social. Sin olvidar a profesionales de la salud, arteterapeutas y psicoterapeutas y al público en general porque cualquier persona con la información adecuada puede apoyar y contribuir a integrar a estas personas en cualquiera de los ámbitos de la vida.

Finalmente destacar que también pone de manifiesto la vital importancia de la imagen visual para este colectivo pues es la manera de aprender, investigar y documentar lo que sucede. El protagonista Sam necesita dibujar para vivir.

La cuarta temporada está previsto que se estrene en el 2021 ojalá la Covid19 lo permita.

sábado, 11 de abril de 2020

Diecisiete, película sobre el aprendizaje, el cuidado y los vínculos

Cartel de la película Diecisiete de Daniel Sánchez Arévalo
¿Porqué si estás estudiando educación o arteterapia te gustará ver diecisiete?

Primero porque es una buena película sobre el aprendizaje, el cuidado y los vínculos que está muy bien contada. Es una historia que aunque no es real está muy pegada a la realidad. Es sensible y verdadera. La narración transita por el amor con mayúsculas, de la necesidad de amor del ser humano y cómo los animales, los perros en este caso son un vehículo que te puede llevar a ello. Del amor y del cuidado familiar, entre hermanos, de la abuela, del perro, de la importancia de los vínculos para sujetar la vida en los momentos en que parece que se desbarata y de cómo ese aprendizaje es importante, verdadero y sanador. 

Daniel Sánchez Arévalo director de Diecisiete (Netflix) cuenta que la historia surge de una noticia de terapia de reinserción con animales en un centro penitenciario. Empieza a investigar y descubre que eso sucede también en los Centros de Internamiento de Menores. A partir de ahí se asesora y documenta perfectamente con una especialista que ha trabajado en varios Centros de Menores que le ayudó en la escritura del guión e incluso cuenta con el apoyo de un fiscal de menores. Todo el arranque de la película está pegado a la realidad. Confiesa que pese a no tener nada de biográfico es la película que más le ha salido de las entrañas.

El protagonista de la película, que fue nominado actor revelación en los Premios Goya de 2020, es un adolescente excluido socialmente, que podría considerarse un friki con muchas dificultades de socialización, que se intuye puede tener un trastorno que no se menciona pero por lo que prácticamente nadie consigue acercarse a él. Está muy necesitado de ayuda y comprensión para integrarse y conectar con la vida en sociedad.

Para ampliar la información en este enlace una Entrevista al director
Muy recomendable ver la película, mientras aquí te dejo el trailer oficial:



miércoles, 9 de noviembre de 2016

Esculpir el movimiento

No sabía que se podía "Esculpir el movimiento" pero lo he descubierto en el espectáculo "Conceal Reveal" de Russell Maliphant (Otawa, 1961) bailarín y coreógrafo. Su trabajo traspasa las fronteras de la danza y la performance y se parece mucho al trabajo del escultor que no esculpe cuerpos sino el el movimiento de los mismos. La clave es la luz. Para ello cuenta con la colaboración del experto en iluminación Michael Hull con quien trabaja codo con codo desde el inicio de la creación del trabajo coreográfico. El estudio de la luz siempre ha sido clave en el arte no sólo dentro del movimiento impresionista en pintura y en escultura y este artista investiga y combina el efecto de la iluminación en sus trabajos coreográficos con el cuerpo en movimiento dando como resultado una danza física que es un verdadero poema visual.

Me gusta descubrir de donde bebe la creatividad de los artistas y es en el pensamiento divergente, es decir, cómo amplían horizontes que repercuten en su trabajo. Russell Maliphant además de su formación en danza clásica Royal Ballet School de Londres es un artista de formación multidisciplinar que incluye danzas orientales, artes marciales, Yoga, Chi Kung, Capoeira, Tai Chi, estudios de anatomía, fisiología, biomecánica y el método de integración estructural Rolfing  que consiste en beneficiar el campo energético del cuerpo humano cuando se armoniza con los campos gravitatorios de la tierra. 




Toda la información actualizada del artista en este catálogo que se puede descargar de forma gratuita

lunes, 27 de junio de 2016

Mujeres fotógrafas Inge Morath y 8 fotógrafas más.

Quiero compartir el trabajo de unas fantásticas fotógrafas que he descubierto gracias a la exposición "Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio".

Inge Morath (Austria, 1923 – EE.UU., 2002) es fotógrafa documental y desde 1955 la primera fotógrafa miembro de pleno derecho de la Agencia Magnum. Con unos 30 años inicia una aventura fotográfica a lo largo del río Danubio. La exposición comienza con esta imagen de 1958, en la que aparecen dos mujeres solas, con su coche y su perro, observando con atención lo que sucede a orillas del Danubio. El documento trasmite un grado de libertad femenina maravilloso para ese tiempo.
Inge Morath. Danubio. Paisaje cerca de Viena. 1958
© Inge Morath Foundation. Magnum Photos.
En este primer viaje no sólo documenta y construye el imaginario del río y de las personas que lo habitan y construyen, sino también, el suyo propio al posar su mirada sobre unas cosas y no otras y es una delicia disfrutar de sus imágenes en la exposición. Tuvo que interrupir su viaje debido a las dificultades por las circunstancias políticas de los países que atraviesa a ambos lados del "Telón de acero" y lo repetirá en 1993 para completar su trabajo.

Al fallecer la fotógrafa la Agencia Magnum crea el premio Inge Morat Award y ocho jóvenes fotógrafas ganadoras del mismo se plantean redescubrir a la fotógrafa revisitando los lugares por los que ella viajó con un camión galería para difundir la obra de la pionera y a la vez actualizar el imaginario del mítico viaje.  
Imagen de Olivia Arthur, exposición Tras los pasos de Inge Morath.
Miradas sobre el Danubio.
 Fundación Telefónica Madrid.
Me gusta mucho el trabajo de todas las fotógrafas pero voy a compartir el de dos de ellas solamente. Por ejemplo Kathryn Cook (1979) viaja con sus hijas y su mirada del río es a través de los ojos de las pequeñas, que como acababan de ver Peter Pan, preguntando a su madre "dónde estaban las hadas" su trabajo consistió en fotografiarlas en las orillas del Danubio como se puede ver en la imagen.
Kathryn Cook. Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio. Fundación Telefónica. Madrid.

Emily Schiffer ha viajado con su bebé y ha trabajado con cámara de medio formato analógica y con iPhone. Cada una con una función. Yo utilizaba el medio formato analógico me han emocionado sus imágenes del entorno del río y su energía. A continuación muestro mi reflejo (espejo) tomada con mi iPhone en una de mis fotos favoritas suyas de 6x6. 
Emily Schiffer. Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio. Fundación Telefónica. Madrid
Recomiendo hacer la visita espléndidamente guiada y gratuita de la exposición que estará hasta octubre en Madrid y comparto el vídeo del viaje de las ocho fotógrafas en este enlace.


martes, 17 de mayo de 2016

El hombre lobo, la niña loba y el amor a la diversidad

Con la clase del Máster de Arteterapia hemos visitado los talleres de Debajo del Sombrero que es una plataforma para la creación, investigación, producción y difusión de arte, donde sus principales protagonistas son las personas con discapacidad intelectual. Sus obras artísticas podrían estar consideradas dentro del denominado Art- Brut o arte marginal, son impresionantes todas, no sólo las que aquí comparto. Recomiendo visitar su web y redes sociales, en especial su blog. El colectivo cumple 10 años de vida y es un espacio privilegiado de libertad de creación artística. Quiero compartir mi experiencia allí con uno de los artistas:
José Manuel Egea, dibujo y fotografía
Me sorprendió ver la costura en la espalda del jersey verde. Una costura central de arriba abajo, era evidente, aunque, como siempre, hay que fijarse. Lola Barreda directora del colectivo nos acababa de presentar al artista José Manuel Egea quien dedica todo su trabajo a explorar la transformación del hombre- lobo, comparto aquí tres de sus obras. Nos explicó que él mismo experimenta esa transformación en sí, por lo que todos sus jerseys están cosidos, nos dijo, de arriba abajo y por delante y por detrás aunque su familia no está tan contenta por ello...
José Manuel Egea, escultura













José Manuel Egea, escultura en barro
Eso me hizo recordar la preciosa historia de la película de anime Wolf Children de Mamoru Hosoda, 2012. Sin duda la mejor que haya visto, no sólo por la historia, mezcla de fantasía y realidad, de narrativa impecable y de gran belleza plástica y visual, sino que también porque cuenta una historia conmovedora de respeto por la diversidad y de amor incondicional que se puede trasladar a muchos ámbitos cotidianos.

Wolf Children de Mamoru Hosoda
Las historias de los hombres-lobo son legendarias en muchas culturas. En general, son seres que asustan e infunden miedo porque con su transformación surge la ferocidad, la fuerza, y la astucia, qué habitualmente se cree que usan con maldad. Sin embargo, en la película la mirada sobre estas criaturas es diversa. La protagoniza una mujer contemporánea que se enamora de un hombre lobo bueno y tiene dos hijos con él, una niña-loba y un niño-lobo, a quienes cuida, protege y apoya para elijan su destino con libertad. La nobleza de los animales y de los lobos en particular contrasta con la de las personas. La inteligencia de la mujer en el cuidado y educación de sus hijos a través de su propio crecimiento personal, madurez y evolución hace que al menos sus dos hijos sobrevivan del peligro de extinción al que los seres humanos han sometido a esta especie. Esta mirada diversa desde la infancia es la que tenemos que fomentar para sobrevivir como especie.

lunes, 28 de marzo de 2016

Miró y el objeto en su Museo Imaginario

Tren de mariquitas, juguete de la colección personal de Miró
La imagen que recuerdo de Miró es de un documental en el que mientras paseaba por la playa recogía objetos de la arena. 
Miró es uno de mis artistas favoritos porque admiro profundamente su obra y porque fue el primero en el que me me reconocí en su sensibilidad hacia los objetos diversos que reunió a lo largo de su vida. La exposición "Miró y el objeto" en Caixafórum de Madrid hasta el 22 de mayo ha sido un descubrimiento pues he podido disfrutar al contemplar algunos de su colección personal, como el tren de mariquitas en la imagen, hay más juguetes, piezas de artesanía de distintas culturas o de origen natural y dibujos infantiles que conforman su "Museo Imaginario". También he descubierto al visitarla que esta colección de objetos no sólo se convierte en fuente de inspiración, sino que llegó a ser tan importante que incluso "le abrió nuevas perspectivas en el planteamiento de la pintura" en palabras de William Jeffett comisario de la muestra.
Dibujo infantil, postal y pieza de artesanía prehispánica, de la colección personal de Miró
Miró, Sin título 1936, gouache sobre cemento
Miró, Sin título 1936, gouache sobre cemento 
He podido descubrir y entender su proceso creativo con las etapas de desarrollo, en las que primero aparecen los objetos representados en sus bodegones y cómo  se van incorporando distintos materiales como soporte, por ejemplo, las dos obras sin título de 1936 que como pinturas rupestres contemporáneas están realizadas sobre cemento pertenecientes a la Fundación Pilar y Joan Miró.








Aquí cómo crea a partir de anuncios de las revistas como se puede ver en las siguientes imágenes del boceto y cuadro
Collage preparatorio del cuadro cuchara y tenedor
Cuchara y tenedor
Utiliza cajas, piedras y cualquier objeto físico con el uso del collage y assemblagge para según la opinión del propio artista terminar con el "asesinato de la pintura".
Gouache sobre tela sobre caja de vino

Miró, Escultura de bronce a partir de un cartón de huevos

Miró, escultura en bronce a partir de un balón pinchado
Obra sobre tabla de planchar

"Antipintura" y "antiescultura" llegará a decir de sus piezas con telas quemadas o tapices, obras rompedoras y desafiantes que provocaron un cambio trascendental en nuestra percepción del arte y le posiciona al poner en tela de juicio el valor económico de la obra de arte.


lunes, 8 de febrero de 2016

Adolescente impartiendo una buena lección



Quizá la etapa escolar más dura sea la adolescencia y es precioso escuchar a este adolescente cómo explica perfectamente las características que debe tener la Escuela para que sucedan aprendizajes significativos. Aprendió que pasan por el fomento de la creatividad, por la multidisciplinariedad y transversalidad de la enseñanza y, sobre todo, porque lo aprendido nos debe enseñar a vivir de forma saludable, con el fin de ser felices. Coincido con él plenamente en que no hay nada más importante.

Muchas voces se alzan para que haya un cambio o una revolución educativa y hay avances y cambios desde siempre, en cualquier aula dónde se encuentre una persona motivada y didáctica, no importa la disciplina que imparta, porque siempre va a relacionar la información y los contenidos con la vida.

El cambio de paradigma es individual y además de posible, es muy necesario.