TALLER DE PINTURA CON PIGMENTOS: Formas y colores del otoño

Taller de experimentación con pigmentos o especias naturales de color para observar y representar las variedad de formas de las hojas del otoño y experimentar distintos colores pintando con los dedos.

Pigmentos listos para usar

Materiales:

-Selección de variedad de hojas recogidas en otoño fijándonos en sus colores y formas

-Pigmentos naturales de colores variados (no tóxicos)

-Se pueden usar también especias como la cúrcuma, canela, pimentón, café etc...

-Papel tamaño A3 para pastel

-Cinta de carrocero para pegar la hoja en la mesa dejando margen blanco en el papel.

-Fijador para pastel o Laca en su defecto

-Algodón

Después de un buen paseo de otoño para recoger las hojas se preparan en la mesa para su observación, se pueden ordenar por formas, tamaños o colores y se pueden compartir y comparar con las recogidas por otras personas. Se recomienda la observación también en mesa de luz o sobre los cristales de una ventana.

Después de fijar la hoja de papel a la mesa se empieza creando el fondo de otoño extendiendo los pigmentos con los dedos y mezclando los colores. Luego se disponen las hojas de las plantas y árboles y se van marcando sus siluetas extendiendo el pigmento con los dedos de dentro hacia fuera de la hojas. Juega a superponerlas, a hacer transparencias, a destacar una, hay infinitas posibilidades.

El resultado es único, como únicas son las personas creadoras.

 

El Cine como Lugar de Aprendizaje. Caras y Lugares de Agnés Varda

 

Vamos al cine Verdi con su proyecto educativo "En el cine como en las aulas" en mitad de la segunda ola de la pandemia del Covid-19 el 27 de octubre de 2020. Es una actividad voluntaria. Consiste en la experiencia de ir a la sala de cine que abre para la clase, adaptada al número de estudiantes que asisten, con la distancia de seguridad adecuada, en un horario que, permite entrar a la sala la clase en su conjunto sin más espectadores de otras salas. 

La propuesta contribuye a hacer posible un encuentro presencial más, en un día de clase destinado al formato on line. La propuesta es necesaria, ahora más que nunca, porque permite apoyar el cine y la cultura visual en un momento de crisis épica.

Se ha elegido la película Caras y Lugares de Agnés Varda y JR porque es una oda a la vida y a la creación. Se programa para la clase en exclusiva y sirve de broche de oro para terminar el primer tema de Fotografía y Lenguaje Visual de la asignatura Didáctica de la Educación Artística en el doble grado de Infantil y Pedagogía.  

En la película la fotógrafa y directora de cine Agnés Varda (Bélgica 1928) a punto de celebrar su noventa cumpleaños se embarca en un viaje por Francia con el artista visual y fotógrafo JR (Paris 1983). Juntos en un camión gigante convertido en fotomatón, recorren la campiña francesa con mirada creadora hacia dentro y hacia fuera, inspirada en las personas y los lugares para crear experiencias a través de la fotografía, recogiendo la memoria individual y colectiva en una película de cine documental.

Una mirada atenta visibiliza el valor de vida y de los seres humanos a través de la fotografía y del arte urbano efímero para disfrute de todo el mundo. Celebra el encuentro intergeneracional y con los demás y el aprendizaje que eso implica y cómo el arte, la creatividad de los dos artistas y su sensibilidad consigue mediar la experiencia inolvidable, emocionante y sincera a partir de los encuentros y transformarla con prácticas artísticas de creación que privilegian lo comunitario. 

Al terminar la película se sugiere escribir en el diario de aula lo que te quedas de la experiencia, además de las preguntas que surjan en relación a lo que sea importante para cada persona respecto a cualquier inquietud y especialmente respecto a la didáctica de la educación artística. ¿Qué podemos aprender de ella?, ¿Qué relación tiene con nuestra formación personal, humana y profesional? ¿Qué nos ha inspirado conocer el trabajo de estos artistas?.

Todas las preguntas y las respuestas dan sentido a la actividad.

    "Nací bajo una estrella. La luna, mi madre, me dio su frescura. El sol, mi padre, me dio su calor.  El universo para poder vivir en él. ¿Te das cuenta? Es bastante importante el lugar que ocupo en el      mundo, ¿Eh?" Pony-Soleil-Air-Sauvage-Nature. Artista

Conocer el Autismo en la divertida serie Atypical

Trailer oficial Netflix

"Lo normal, efectivamente, está sobrevalorado". 

Cuando, por fortuna, en la vida hay cada vez más inclusión es importante conocer las distintas realidades. Para acercarnos al Trastorno del Espectro Autista (TEA) hay que ver esta divertida serie de Netflix que va ganando con cada nueva temporada y en la que podemos descubrir las múltiples formas de aprender del protagonista, Sam un adolescente que tiene síndrome de Asperger, que es un tipo de autismo. 

La importancia de esta serie radica en la visibilización de un trastorno que pertenece a las “Discapacidades invisibles” es decir, no hay ningún rasgo físico que la delate. Es más, paradójicamente, como le sucede a Sam y a su grupo de amigos con TEA va acompañado de algunas habilidades especiales y sorprendentes como, una capacidad de memoria extraordinaria, facilidades o destrezas especiales e insólitas para el cálculo, el dibujo o la lectura. Se pone de manifiesto su fascinante perfil cognitivo que desafía los modelos tradicionales de aprendizaje. Su peculiar estilo de procesar la información, su original manera de percibir e interpretar el mundo. En el caso de Sam por su interés en la Antártida y los pingüinos. Esa otra forma de mirar y de aprender queda patente en las sucesivas temporadas. 

La creadora de la serie Robia Rachid cuenta con el Dr. Michelle Dean, del UCLA (Center for Autism and Research and Treatment) de Los Angeles, California, quien asesora sobre el TEA. Viéndola se puede aprender mucho y comprender lo que sienten y sufren estas personas y quienes les rodean para eliminar estereotipos. 

Trata de forma clara, divertida, con sensibilidad y hasta ternura, la integración y la inclusión social como tema fundamental y, cómo la información y los apoyos son imprescindibles porque reducen significativamente el sufrimiento de estas personas y de su entorno. Por todo ello, es recomendable ver la serie, especialmente importante en el ámbito educativo, con las familias y docentes de todas las etapas educativas, desde infantil a la universidad, pedagogía, mediación en museos, educación especial y social. Sin olvidar a profesionales de la salud, arteterapeutas y psicoterapeutas y al público en general porque cualquier persona con la información adecuada puede apoyar y contribuir a integrar a estas personas en cualquiera de los ámbitos de la vida.

Finalmente destacar que también pone de manifiesto la vital importancia de la imagen visual para este colectivo pues es la manera de aprender, investigar y documentar lo que sucede. El protagonista Sam necesita dibujar para vivir.

La cuarta temporada está previsto que se estrene en el 2021 ojalá la Covid19 lo permita.

Diecisiete, película sobre el aprendizaje, el cuidado y los vínculos

Cartel de la película Diecisiete de Daniel Sánchez Arévalo

¿Porqué si estás estudiando educación o arteterapia te gustará ver diecisiete?

Primero porque es una buena película sobre el aprendizaje, el cuidado y los vínculos que está muy bien contada. Es una historia que aunque no es real está muy pegada a la realidad. Es sensible y verdadera. La narración transita por el amor con mayúsculas, de la necesidad de amor del ser humano y cómo los animales, los perros en este caso son un vehículo que te puede llevar a ello. Del amor y del cuidado familiar, entre hermanos, de la abuela, del perro, de la importancia de los vínculos para sujetar la vida en los momentos en que parece que se desbarata y de cómo ese aprendizaje es importante, verdadero y sanador. 

Daniel Sánchez Arévalo director de Diecisiete (Netflix) cuenta que la historia surge de una noticia de terapia de reinserción con animales en un centro penitenciario. Empieza a investigar y descubre que eso sucede también en los Centros de Internamiento de Menores. A partir de ahí se asesora y documenta perfectamente con una especialista que ha trabajado en varios Centros de Menores que le ayudó en la escritura del guión e incluso cuenta con el apoyo de un fiscal de menores. Todo el arranque de la película está pegado a la realidad. Confiesa que pese a no tener nada de biográfico es la película que más le ha salido de las entrañas.

El protagonista de la película, que fue nominado actor revelación en los Premios Goya de 2020, es un adolescente excluido socialmente, que podría considerarse un friki con muchas dificultades de socialización, que se intuye puede tener un trastorno que no se menciona pero por lo que prácticamente nadie consigue acercarse a él. Está muy necesitado de ayuda y comprensión para integrarse y conectar con la vida en sociedad.

Para ampliar la información en este enlace una Entrevista al director

Muy recomendable ver la película, mientras aquí te dejo el trailer oficial:

Trailer oficial de la película

Esculpir el movimiento

No sabía que se podía "Esculpir el movimiento" pero lo he descubierto en el espectáculo "Conceal Reveal" de Russell Maliphant (Otawa, 1961) bailarín y coreógrafo. Su trabajo traspasa las fronteras de la danza y la performance y se parece mucho al trabajo del escultor que no esculpe cuerpos sino el el movimiento de los mismos. La clave es la luz. Para ello cuenta con la colaboración del experto en iluminación Michael Hull con quien trabaja codo con codo desde el inicio de la creación del trabajo coreográfico. El estudio de la luz siempre ha sido clave en el arte no sólo dentro del movimiento impresionista en pintura y en escultura y este artista investiga y combina el efecto de la iluminación en sus trabajos coreográficos con el cuerpo en movimiento dando como resultado una danza física que es un verdadero poema visual.

Me gusta descubrir de donde bebe la creatividad de los artistas y es en el pensamiento divergente, es decir, cómo amplían horizontes que repercuten en su trabajo. Russell Maliphant además de su formación en danza clásica Royal Ballet School de Londres es un artista de formación multidisciplinar que incluye danzas orientales, artes marciales, Yoga, Chi Kung, Capoeira, Tai Chi, estudios de anatomía, fisiología, biomecánica y el método de integración estructural Rolfing  que consiste en beneficiar el campo energético del cuerpo humano cuando se armoniza con los campos gravitatorios de la tierra. 

Toda la información actualizada del artista en este catálogo que se puede descargar de forma gratuita

Mujeres fotógrafas Inge Morath y 8 fotógrafas más.

Quiero compartir el trabajo de unas fantásticas fotógrafas que he descubierto gracias a la exposición "Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio".

Inge Morath (Austria, 1923 – EE.UU., 2002) es fotógrafa documental y desde 1955 la primera fotógrafa miembro de pleno derecho de la Agencia Magnum. Con unos 30 años inicia una aventura fotográfica a lo largo del río Danubio. La exposición comienza con esta imagen de 1958, en la que aparecen dos mujeres solas, con su coche y su perro, observando con atención lo que sucede a orillas del Danubio. El documento trasmite un grado de libertad femenina maravilloso para ese tiempo.

Inge Morath. Danubio. Paisaje cerca de Viena. 1958
© Inge Morath Foundation. Magnum Photos.

En este primer viaje no sólo documenta y construye el imaginario del río y de las personas que lo habitan y construyen, sino también, el suyo propio al posar su mirada sobre unas cosas y no otras y es una delicia disfrutar de sus imágenes en la exposición. Tuvo que interrupir su viaje debido a las dificultades por las circunstancias políticas de los países que atraviesa a ambos lados del "Telón de acero" y lo repetirá en 1993 para completar su trabajo.

Al fallecer la fotógrafa la Agencia Magnum crea el premio Inge Morat Award y ocho jóvenes fotógrafas ganadoras del mismo se plantean redescubrir a la fotógrafa revisitando los lugares por los que ella viajó con un camión galería para difundir la obra de la pionera y a la vez actualizar el imaginario del mítico viaje.  

Imagen de Olivia Arthur, exposición Tras los pasos de Inge Morath.
Miradas sobre el Danubio. Fundación Telefónica Madrid.

Me gusta mucho el trabajo de todas las fotógrafas pero voy a compartir el de dos de ellas solamente. Por ejemplo Kathryn Cook (1979) viaja con sus hijas y su mirada del río es a través de los ojos de las pequeñas, que como acababan de ver Peter Pan, preguntando a su madre "dónde estaban las hadas" su trabajo consistió en fotografiarlas en las orillas del Danubio como se puede ver en la imagen.

Kathryn Cook. Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio. Fundación Telefónica. Madrid.

Emily Schiffer ha viajado con su bebé y ha trabajado con cámara de medio formato analógica y con iPhone. Cada una con una función. Yo utilizaba el medio formato analógico me han emocionado sus imágenes del entorno del río y su energía. A continuación muestro mi reflejo (espejo) tomada con mi iPhone en una de mis fotos favoritas suyas de 6x6. 

Emily Schiffer. Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio. Fundación Telefónica. Madrid

Recomiendo hacer la visita espléndidamente guiada y gratuita de la exposición que estará hasta octubre en Madrid y comparto el vídeo del viaje de las ocho fotógrafas en este enlace.

El hombre lobo, la niña loba y el amor a la diversidad

Con la clase del Máster de Arteterapia hemos visitado los talleres de Debajo del Sombrero que es una plataforma para la creación, investigación, producción y difusión de arte, donde sus principales protagonistas son las personas con discapacidad intelectual. Sus obras artísticas podrían estar consideradas dentro del denominado Art- Brut o arte marginal, son impresionantes todas, no sólo las que aquí comparto. Recomiendo visitar su web y redes sociales, en especial su blog. El colectivo cumple 10 años de vida y es un espacio privilegiado de libertad de creación artística. Quiero compartir mi experiencia allí con uno de los artistas:

José Manuel Egea, dibujo y fotografía

Me sorprendió ver la costura en la espalda del jersey verde. Una costura central de arriba abajo, era evidente, aunque, como siempre, hay que fijarse. Lola Barreda directora del colectivo nos acababa de presentar al artista José Manuel Egea quien dedica todo su trabajo a explorar la transformación del hombre- lobo, comparto aquí tres de sus obras. Nos explicó que él mismo experimenta esa transformación en sí, por lo que todos sus jerseys están cosidos, nos dijo, de arriba abajo y por delante y por detrás aunque su familia no está tan contenta por ello...

José Manuel Egea, escultura

José Manuel Egea, escultura en barro

Eso me hizo recordar la preciosa historia de la película de anime Wolf Children de Mamoru Hosoda, 2012. Sin duda la mejor que haya visto, no sólo por la historia, mezcla de fantasía y realidad, de narrativa impecable y de gran belleza plástica y visual, sino que también porque cuenta una historia conmovedora de respeto por la diversidad y de amor incondicional que se puede trasladar a muchos ámbitos cotidianos.

Wolf Children de Mamoru Hosoda

Las historias de los hombres-lobo son legendarias en muchas culturas. En general, son seres que asustan e infunden miedo porque con su transformación surge la ferocidad, la fuerza, y la astucia, qué habitualmente se cree que usan con maldad. Sin embargo, en la película la mirada sobre estas criaturas es diversa. La protagoniza una mujer contemporánea que se enamora de un hombre lobo bueno y tiene dos hijos con él, una niña-loba y un niño-lobo, a quienes cuida, protege y apoya para elijan su destino con libertad. La nobleza de los animales y de los lobos en particular contrasta con la de las personas. La inteligencia de la mujer en el cuidado y educación de sus hijos a través de su propio crecimiento personal, madurez y evolución hace que al menos sus dos hijos sobrevivan del peligro de extinción al que los seres humanos han sometido a esta especie. Esta mirada diversa desde la infancia es la que tenemos que fomentar para sobrevivir como especie.

Miró y el objeto en su Museo Imaginario

Tren de mariquitas, juguete de la colección personal de Miró

La imagen que recuerdo de Miró es de un documental en el que mientras paseaba por la playa recogía objetos de la arena. 

Miró es uno de mis artistas favoritos porque admiro profundamente su obra y porque fue el primero en el que me me reconocí en su sensibilidad hacia los objetos diversos que reunió a lo largo de su vida. La exposición "Miró y el objeto" en Caixafórum de Madrid hasta el 22 de mayo ha sido un descubrimiento pues he podido disfrutar al contemplar algunos de su colección personal, como el tren de mariquitas en la imagen, hay más juguetes, piezas de artesanía de distintas culturas o de origen natural y dibujos infantiles que conforman su "Museo Imaginario". También he descubierto al visitarla que esta colección de objetos no sólo se convierte en fuente de inspiración, sino que llegó a ser tan importante que incluso "le abrió nuevas perspectivas en el planteamiento de la pintura" en palabras de William Jeffett comisario de la muestra.

Dibujo infantil, postal y pieza de artesanía prehispánica, de la colección personal de Miró

Miró, Sin título 1936, gouache sobre cemento

Miró, Sin título 1936, gouache sobre cemento 

He podido descubrir y entender su proceso creativo con las etapas de desarrollo, en las que primero aparecen los objetos representados en sus bodegones y cómo  se van incorporando distintos materiales como soporte, por ejemplo, las dos obras sin título de 1936 que como pinturas rupestres contemporáneas están realizadas sobre cemento pertenecientes a la Fundación Pilar y Joan Miró.








Aquí cómo crea a partir de anuncios de las revistas como se puede ver en las siguientes imágenes del boceto y cuadro

Collage preparatorio del cuadro cuchara y tenedor

Cuchara y tenedor

Utiliza cajas, piedras y cualquier objeto físico con el uso del collage y assemblagge para según la opinión del propio artista terminar con el "asesinato de la pintura".

Gouache sobre tela sobre caja de vino

Miró, Escultura de bronce a partir de un cartón de huevos

Miró, escultura en bronce a partir de un balón pinchado

Obra sobre tabla de planchar

"Antipintura" y "antiescultura" llegará a decir de sus piezas con telas quemadas o tapices, obras rompedoras y desafiantes que provocaron un cambio trascendental en nuestra percepción del arte y le posiciona al poner en tela de juicio el valor económico de la obra de arte.

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Adolescente impartiendo una buena lección

Quizá la etapa escolar más dura sea la adolescencia y es precioso escuchar a este adolescente cómo explica perfectamente las características que debe tener la Escuela para que sucedan aprendizajes significativos. Aprendió que pasan por el fomento de la creatividad, por la multidisciplinariedad y transversalidad de la enseñanza y, sobre todo, porque lo aprendido nos debe enseñar a vivir de forma saludable, con el fin de ser felices. Coincido con él plenamente en que no hay nada más importante.

Muchas voces se alzan para que haya un cambio o una revolución educativa y hay avances y cambios desde siempre, en cualquier aula dónde se encuentre una persona motivada y didáctica, no importa la disciplina que imparta, porque siempre va a relacionar la información y los contenidos con la vida.

El cambio de paradigma es individual y además de posible, es muy necesario.

Joan Fontcuberta, la magia de la ilusión

Información Práctica - Exposición ‘Joan Fontcuberta. Imago, ergo sum’

Es un mago (o ilusionista) de la imagen –fue lo que pensé– la magia como cualidad de lo sobrenatural, la fotografía que documenta o "da validez" a la percepción visual y Fontcuberta (Barcelona, 1955) como mago de la ilusión: en el cartel de la exposición desapareciendo en "Milagros & Cº" uno de sus proyectos emblemáticos.
Joan Fontcuberta es uno de los grandes artistas españoles más reconocidos internacionalmente. Fotógrafo, ensayista, fue profesor de historia de la fotografía y al ser hijo de publicistas se ha cuestionado y analizado el significado y valor de la imagen a lo largo de la historia a través de proyectos artísticos en los que investiga, cuestiona, juega ante nuestros ojos con grandes cuestiones de nuestro tiempo, a través de proyectos fotográficos que son, además, muy divertidos. En el milagro de la carne aparece la efigie del Ché Guevara en la loncha de jamón.

Milagro de la carne. Joan Fontcuberta

No os perdáis esta importante exposición que está en mi sala favorita de Madrid en el Depósito del Canal de Isabel II, C/ Santa Engracia nº125 hasta el 27 de marzo de 2016.

El arte es un derecho humano que tenemos que proteger

De hecho ha sido un descubrimiento darme cuenta de la vinculación del arte y los derechos humanos, gracias a la exposición temporal "Art is your Human Right" de Bob and Roberta Smith en la William Morris Gallery de Londres hasta el 31 de enero de 2016.
Empezar el año constatando los hechos para ponernos manos a la obra y trabajar a favor de que las Escuelas se conviertan en Escuelas protectoras de las personas y de sus derechos.

Todas las Escuelas deberían ser Escuelas de Arte
Bob and Roberta Smith, William Morris Gallery, Londres.

"Dale a una niña/o un lápiz y enséñales cómo cantar"
Bob and Roberta Smith, William Morris Gallery, Londres.

La música "empodera" a niñas y niños
Bob and Roberta Smith, William Morris Gallery, Londres.

El empoderamiento se refiere al proceso por el cual se aumenta la fortaleza espiritual, política, social o económica de las personas y las comunidades para impulsar cambios positivos en sus vidas. Implica en la persona beneficiaria, el desarrollo de la confianza en sus propias capacidades y acciones.

El arte empodera a las personas
Bob and Roberta Smith, William Morris Gallery, Londres

Este es el artista que está llevando a cabo la importante campaña a favor de los derechos humanos y se puede ver el vídeo en el enlace de la imagen

Campaña artística de Bob and Roberta Smith

Maquetas para esculturas gigantes

El ejercicio de escultura parte de la motivación de realizar proyectos o maquetas fantásticos para ocupar el espacio público y que las personas puedan disfrutar de las creaciones artísticas gigantes independientemente de su edad.

Aquí tienes la presentación motivadora 

Vídeo y explicación de los proyectos ya realizados

La Dehesa Mágica

Dehesa Mágica Agustín Ibarrola 2015

En la Dehesa de Garoza (Muñogalindo, Ávila) el escultor Agustín Ibarrola ha pasado largas temporadas creando y trabajando sobre el paisaje.
Al pasear por el recinto de 11 hectáreas es emocionante ir descubriendo las 115 intervenciones del artista en las piedras de granito de la Dehesa.

El trabajo de este escultor de 85 años que se acaba de inaugurar este otoño, tiene una relación directa con lo ancestral del ser humano quien, desde la prehistoria, ha dejado su impronta sobre las rocas. Cerca de la Dehesa hay restos prehistóricos y el castro de la Ulaca uno de los más grandes que se conservan, que él conoce.

Pasear por la dehesa es mágico, las niñas y niños que recorren este espacio disfrutan y entienden perfectamente la abstracción y poesía de las piedras. La magia consiste en descubrir cómo cada instante es distinto, las sensaciones, no sólo las visuales, van cambiando: el olor de las plantas aromáticas embriaga, el movimiento de las nubes, la brisa, el viento, el silencio, los pájaros, los árboles o los animales salvajes. Toda la finca está vallada pero no hasta el suelo, para permitir que continúen circulando libremente por su espacio.

Todo ello nos permite conectar, desde nuestra esencia de seres humanos, con la dimensión cósmica y con el universo porque ese es también el lenguaje de la naturaleza y el arte. Esta es una experiencia multidisciplinar y por tanto el aprendizaje es significativo.

http://www.agustinibarrola.com/portfolio/finca-de-garoza-avila/

Instrucciones para visitar este lugar y otros...:

1º De ser posible, id con niñas y niños cuanto más pequeños mejor, el escultor es un abuelo en la plenitud del trabajo artístico de su vida y, a su edad y en infancia, se habla el mismo lenguaje.

Silencio y Paisaje
Agustín Ibarrola, Dehesa de Garoza 2015

2º De no ser posible, se puede intentar apagar la mente analítica (hemisferio cerebral izquierdo) y encender la poética y artística (hemisferio derecho). Ibarrola no ha puesto título a sus piedras para facilitar ese ejercicio.

3º Apagar el móvil y tratar de estar presentes y escuchar el silencio y la paz de la Dehesa, esto permite poder percibir no sólo el lenguaje del artista sino el de las plantas, las piedras y los animales.

4º Usar todos los sentidos: Oler, tocar, subir, bajar y rodear piedras y conjuntos de ellas.

5º Disfrutar la EXPERIENCIA

Dibujos de nubes y piedras
Agustín Ibarrola 2015

Dehesa de Garoza Agustín Ibarrola 2015

La Educación artística en números rojos

En España, a diferencia de la música, la Educación Artística no la han impartido especialistas ni en Infantil, ni en Primaria y a veces ni siquiera en Secundaria. La formación que muchas generaciones de docentes tienen en Arte o Educación Artística es ínfima o nula.

Actualmente como docente de esta materia en tres Universidades distintas de Madrid constato que en el grado (4 años) de Infantil o Primaria tienen una asignatura de 6 créditos CUATRIMESTRAL.

Es un hecho que, en nuestro país y en algunos más la Educación Artística está desapareciendo de la educación y de la vida de las personas. Por poner un ejemplo simple, el arte actual y contemporáneo es incomprendido, despreciado y ninguneado por una amplia parte de la ciudadanía ¿Porqué? por falta de formación e información (ignorancia) básicamente. ¿Cómo no va a ser desconocido? si esta disciplina se pone a la cola de las demás, en una casi confabulación para seguir manteniendo un sistema escolar antiguo, aunque se evidencie que no es eficaz y que no está cumpliendo los objetivos.
Nuestro sistema educativo debería tener especialistas en Educación Artística en Infantil, Primaria y Secundaria.

El Roto

La Escuela, en origen, no se crea con ese fin, como ilustra el magnífico filósofo El Roto, sino para cuidar a los niños y niñas hijos de la clase trabajadora, formar mano de obra cualificada y sobretodo, obediente. En este tipo de Escuelas, las disciplinas artísticas no tienen cabida.

Como tenemos que trabajar con lo que hay, es decir con la nueva y controvertida Ley de Educación que se acaba de implantar, la propuesta es, siempre desde la legalidad, hacer lo contrario que propugna la Ley cumpliéndola a rajatabla. La Educación Artística está en números rojos como asignatura aislada y encima no la imparten especialistas, como la música. Propongo que el profesorado haciendo un esfuerzo trate de aunar disciplinas (integrar conocimiento) lo que facilita el aprendizaje significativo; al introducir la Educación Artística para facilitar experiencias, se produce lo que es el único y verdadero aprendizaje. Así trabajan los artistas, los de antes y los de ahora, uniendo disciplinas, porque en la vida están unidas y tanto la ciencia como el arte pretenden lo mismo: entender la vida.

Como profesora de Formación de Profesorado uno de mis objetivos este curso es motivar a las futuras generaciones docentes para qué a través de experiencias de Educación Artística integrales contribuyan a la formación de personas sanas, íntegras y felices.

Estamos encerrados

¿Cómo me sentido durante mi educación escolar? ¿Se ha valorado y desarrollado mi creatividad? 

Me he sentido así durante mi etapa escolar

El sistema educativo

Estas y otras preguntas surgen en el aula de Educación artística a partir de las experiencias llevadas a cabo, después, el debate y la reflexión, y como final de las clases cada persona elabora un proyecto que queda plasmado en los libros de artista que comparto en el siguiente vídeo "Estamos encerrados" que versa sobre Creatividad en la Escuela.

"Durante estas 4 semanas hemos experimentado con materiales y técnicas que nos han permitido aprender a enseñar, pero sobre todo, aprender a aprender"  Marta Ayllón 4º A1, Octubre 2015.

Los procesos han sido terapéuticos pues son la mejor respuesta a ¿Cómo me he sentido durante mi etapa escolar? Dentro de nosotros hay artistas encerrados queriendo salir a expresar, crear y comunicar. Los resultados dan imágenes impactantes y conmovedoras.

Romper la jaula para dejar volar la creatividad e imaginación

Es muy importante  porque esta futura generación de maestras y maestros van a hacer cambios en sus aulas que van a repercutir en que el mundo sea mejor.

Te puedes salir de la raya

Dibujo de Santiago 6 años

Cuando en mis clases animo a las futuras generaciones de docentes a que se pueden "salir de la raya" en los trabajos de Educación Artística me miran con sorpresa, con cara de incredulidad, sonríen y casi no se lo pueden creer ...

Algunas personas se atreven a hacerlo y lo disfrutan pero otras ni si quiera se atreven a intentarlo ...

Inicio un diálogo y toda la clase reflexiona acerca de este hecho simple, pero nada inocente, que se trasmite de generación en generación. ¿Qué conseguimos obligando a colorear fichas y fichas de cualquier materia, sin salirse de la raya? Siempre responden: La psicomotricidad fina ... y la obediencia.

Pregunto: ¿Es creativo? ¿Es constructivo? ¿Queremos formar personas obedientes o personas que tomen decisiones propias?

Luego ya no hace falta pedir que, por favor, nunca les digan a los niños y niñas que "no se salgan de la raya" porque poco a poco, van a ir descubriendo y decidiendo cuándo se quieren salir y cuando no, con una metodología adecuada de ejercicios creativos y diversos, trabajando, en todos ellos, la psicomotricidad fina y gruesa y tomando sus propias decisiones en cuanto a salirse o no, algo importante, no sólo en clase sino en la vida.

La Escuela no mata la creatividad

Este título es por lo que estamos luchando desde hace décadas. Existen muchos docentes trabajando cada día dentro de un sistema educativo que no favorece ni facilita esta labor. 

Que la Escuela mata la creatividad es algo que hemos sufrido muchas personas, pero no sólo en nuestro país, sino en muchos otros, como descubriréis a continuación en el siguiente vídeo de uno de los mayores expertos en educación artística y creatividad del mundo, Sir Ken Robinson, donde explica de forma amena y divertida las razones por las que lo afirma.

Tomar conciencia del problema es el primer paso para buscar soluciones. Incluir clases de Creatividad y de Educación Artística son una inmejorable alternativa para estimular el pensamiento divergente, fomentar la autoestima y favorecer el desarrollo cognitivo, no sólo para ser artistas, que también, sino personas de ciencia o de humanidades. Es decir, hacer justo lo contrario de lo que propone la última reforma educativa.

Arte y Expresión en la Adolescencia

Llevo varios años trabajando con grupos de adolescentes diversos en un taller de creación de artes plásticas y visuales. Este fin de curso he reflexionado acerca de que realmente me ha resultado impresionante disfrutar del proceso de crecimiento y madurez física y emocional y de cómo en este espacio, la comunicación, tan necesaria en esta etapa de la vida, fluye del corazón, a la mano y al papel.

Pablo González Meneses, 14 años

Todos hemos comprobado que el poder disponer de este espacio y de este tiempo además es terapéutico. ¡Cuanta información hay en estas imágenes! Me emociono al ver qué hermosura de seres humanos que crecen y reflexionan y cómo, mediante el arte, expresan su más profunda inquietud a través de su gran sensibilidad.

Adelia 17 años

Pablo González Meneses

Pablo González Meneses  

No es una etapa fácil en la vida de las personas, todavía recuerdo la mía y estoy contenta porque estos años a su lado yo también he crecido y aprendido mucho y por eso puedo defender a capa y espada que la adolescencia tiene muchas cosas positivas, sólo hay que dejar espacios para la libertad creativa, para poder compartir sensaciones y sentimientos y estar atenta y querer escuchar. 

Pensándolo bien, ¿En qué etapa vital eso no es importante?

La colección de Anna

 En la clase de esta semana hemos tenido la suerte de poder contemplar la colección de plumas de Anna y hemos aprendido de todo lo que nos ha contado:

Algunas plumas en su mano

Ana sale a pasear a la Casa de Campo y allí recoge plumas de distintos pájaros. 
Tiene plumas de Patos, Cotorras Argentinas, Pavos y Pavas Reales, Pájaros Carpinteros, Abubillas, etc... pero su favorita es una de un Búho Real.
Al llegar a casa comienza el proceso de desinfección. Para ello las tiene que hervir y el raquis o parte central se hincha y las barbas se "despeluchan", una vez secas con los dedos y paciencia infinita las va peinando para que las barbas vuelvan a su lugar quedando unidas por el entrelazado de las barbillas. 

Colección de plumas de Anna Victoria Ramos

Este año Anna pintó una Guacamaya en una pluma de Guacamaya de su colección, en la imagen la vemos preparada para la exposición de fin de curso de La Incubadora School of Arts junto o otras plumas de su colección.

Es un buen ejemplo del trabajo de investigación en el aula de Educación Artística dónde el aprendizaje es significativo porque parte de la motivación intrínseca, es siempre a través de la experiencia y es también multidisciplinar. 

Esta alumna adolescente en riesgo de exclusión social es un modelo de resiliencia, voluntad, sensibilidad, entrega y superación, sirva esta entrada de homenaje.